Whisky (Rebella, Stoll, 2004)

Whisky est le genre de film que l'on recense généralement sous le terme de "comédie dramatique". Ici, le "comique" est savamment distillé sous forme de situations cocasses qui nous font esquisser un sourire tandis que le "drame" s'enrobe d'une subtile mélancolie. Un film tout en retenue donc, sans prétention, et pourtant plus que convaincant dans sa peinture des trois personnages dont il est question. Tout d'abord, il y a Jacques, patron d'une petite usine textile, qui mène une existence morose et sans surprise, incapable de la moindre émotion si ce n'est lors d'un match de football. Marta, l'une de ses employées semble secrètement attirée par cet homme, mais sa retenue l'empêche de seulement lever les yeux sur lui. La routine, le quotidien, l'éternelle répétition de ces deux vies sans surprise réglées comme des horloges semblent inéluctables. Pourtant, le temps de la visite du frère de Jacques, Marta va devoir se faire passer pour la femme de celui-ci, cachant ainsi son célibat. Exposition, nœud, dénouement: la formule est classique mais qu'importe, tellement le tout est savamment orchestré. Et tandis que les deux frères restent inamovibles, l'un dans son silence buté et l'autre dans son incapacité de communication avec son frère qu'il semble craindre, Marta, elle, va réussir à s'affranchir quelque peu de son existence effacée et soumise. Mais au centre du film, il y a surtout ce ressenti de la solitude découlant de l'incapacité, ou de l'absence de volonté d'exprimer ses sentiments. Et à l'image des personnages, on reste ici également dans le non-dit, dans l'esquisse, laissant notre imagination vaquer librement devant ce film d'une grande subtilité.

Uccellacci e uccellini (Des oiseaux, petits et grands, Pasolini, 1966)

Oscillant entre fable politique et comédie dramatique, Uccellacci e uccellini nous fait suivre les pas d'un père et de son fils au long d'une pérégrination sans véritable but dans une Italie en proie à la pauvreté que Pasolini situe quelque part entre Istanbul et Cuba. Une Italie à la croisée de l'ancien et du moderne où bretelles d'autoroutes et imposants immeubles semblent jaillir de nulle part. La bouffonnerie chaplinesque des deux personnages principaux est quelque fois interrompue par quelques relents tragiques, le temps d'un enterrement ou d'une visite chez les pauvres. Mais au centre de l'histoire, on retrouve surtout la rencontre avec ce corbeau doté de parole, exposant ses paradigmes au fil d'un soliloque politique marqué par des références à Marx, Freud et Gandhi. Un corbeau dépeignant le caractère d'un intellectuel de gauche marqué par la foi, qui n'est que raison et parole par opposition à ses deux comparses hédonistes et insouciants. Un corbeau pouvant être vu comme le double politique de Pasolini, celui-ci prenant alors conscience de la difficulté de son rôle d'artiste engagé, des limites à son action et des voies à ne pas emprunter. Au-delà de cette opposition, au fil d'un récit qui nous plonge à l'époque du moyen-âge, on retrouve l'engagement chrétien d'un Pasolini nous signifiant pas le biais de Saint-Francois la nécessité d'inculquer également au peuple le communisme (pour faire court). Un apprentissage qui tourne à la faillite dans le cas de ce corbeau sans doute trop éloigné du peuple pour y comprendre quelque chose. Une distance que Pasolini réfutera en tentant d'allier constamment "culture haute" et "culture basse", achèvements artistiques élevés et pédagogie de masse, à la fois poète intellectuel et peintre de l'homme en ce qu'il a de plus "vivant", réussissant ici la juxtaposition d'un humour dépeignant à merveille notre humanité en ce qu'elle a de plus simple et une intéressante réflexion politique.

Dance Party, USA (Aaron Katz, 2006)

Loin d'être la "teen-comedy" de base que l'on pourrait supposer derrière son titre, "Dance Party USA" rejoint ce qu'on appelle le "mumblecore": budget plus que réduit, acteurs non-professionnels, script improvisé et mise en scène des relations entre jeunes. Justesse et simplicité semblent être les maîtres mots de ce petit film sans prétention qui fait mouche sans crier gare. On pense à Larry Clark notamment pour cette description d'une jeunesse américaine des classes moyennes apathique et pleine d'ennui, mais la provoc du réalisateur de "Kids" est délaissé pour construire une œuvre agissant tout en suggestion. Au détour d'un regard, d'une musique, d'un paysage urbain se créer une subtile poésie laissant entrevoir la fragilité de ces jeunes qui peinent à passer à l'âge adulte. A l'image du Ricard Linklater de "Before Sunrise", Aaron Katz nous gratifie d'une contemplation lyrique de deux caractères d'une grande justesse avec des dialogues plus vrais que nature.

Décadence

Quand le totalitarisme culturel égalitaire déni tout droit de jugement et de critique parce que "tout se vaut"...
Quand le principe de tolérance est galvaudé jusqu'à ne devenir qu'un simple prétexte de non-pensée...
Quand les adages "tout est relatif..." et "les goûts et les couleurs" deviennent les instruments du non-débat amorçant le repli de la réflexion...
Quand toute critique à l'égard d'une minorité est taxée de racisme au nom du politiquement correct...
Quand on se tourne avidement vers des spiritualités hindoues aux relents exotiques avant même de s'intéresser à la spiritualité de sa propre culture.
Quand on s'extasie devant quelques instruments de percussion, parce que c'est forcément plus "cool" que le Requiem de Mozart.

Quand la décadence intellectuelle et culturelle bat son plein...

L'Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford (The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford, Andrew Dominik, 2007)

Le suspens tué dans l'œuf après une simple lecture du titre du film, on se doute tout de suite que les ambitions de Dominik quant à la portée de son œuvre ne se borne pas à une sempiternelle tenue en haleine du spectateur. Le teneur se situe ici plutôt entre une progressive immersion dans la psychologie des deux personnages principaux et une recherche esthétique très poussée. Outre le ton ocre érigé à l'ordre de constante durant le film, le réalisateur s'attache à l'insertion d'une nature filmée comme vivante et en mouvement, avec notamment ce ciel bas et menaçant, reflet de la paranoïa qui s'installe progressivement parmi les personnages, et ces nuages qui le parcourent rapidement, véritables leitmotiv accompagnant la progression du récit. De cette esthétisme très mallickien résulte une œuvre à la beauté plastique qui appelle une dimension poétique de tous les instants. Quant à l'exposition progressive des deux caractères principaux, elle est également réussie, passant de celle de Jesse James, brigand érigé en héros par la vox populi, à celle de son meurtrier, looser déterminé à s'extirper de sa condition en prenant pour modèle son idole. Et plutôt que vers Jesse James, notre empathie se dirige finalement vers le "lâche", celui qui rêvait de reconnaissance et s'assimilait à son idole jusqu'au point de la tuer afin de se rapprocher d'elle. Tentative vaine qui scellera son destin tragique dans une indifférence généralisée qui n'aura d'égale à l'opposé que le culte voué à celui dont il voulait devenir l'acolyte. Au-delà du tableau de cette relation ambivalente entre ces deux personnages, Dominik esquisse une peinture de la starification et de ses conséquences, dépeignant un Jesse James précurseur de nos superstars modernes, héros construit par des médias avides de trouver le nouveau "Robin des bois".
En bref, un très bon film qui prend le temps de se construire, et ce pour notre plus grand plaisir.

The Cure - Pornography

Martiale régularité de la chute dans cette abîme bannissant tout espoir, en attente de la conscience de ce fond déjà atteint.
Point de vertige, juste cette atmosphère hypnotique qui nous enrobe, nous ensevelissant sous la révélation de la noirceur existentielle.
Absurde solitude glacée d'une longue plainte tribale, qui s'enlise en nous jusqu'au KO immersif.
Pas de quartier, juste cette bande-son oppressante de notre errance désespérée.
Visite chirurgicale de l'âme sur fond d'apocalypse latente, accompagnatrice de notre trajet ici-bas.

L'après-midi d'un tortionnaire (Dupa-amiaza unui tortionar, Picilie, 2001)

Huis-clos regroupant un ancien tortionnaire du régime communiste roumain, une journaliste et une victime, "L'après-midi d'un tortionnaire" est surtout le miroir d'une confession ratée, tant l'ancien bourreau semble avoir été vidé de sa propre essence par son "travail". L'impossibilité d'une quelconque condamnation, et ce malgré l'horreur des actes décrits, s'impose peu à peu, portée par l'indifférence (volonté d'oubli) des victimes et le vide intérieur hantant le tortionnaire. Le film semble malheureusement figé, n'arrivant pas à s'extirper de son carcan, fuyant l'analyse et restant à l'état d'un simple constat frisant l'ennui, faute de dynamiques visuelles et narratives suffisantes.

Le libre-arbitre (Der freie Wille, Glasner, 2006)

Dès le départ, le ton est donné: impuissant, le spectateur assiste à une scène de viol perpétré par Theo, récidiviste, incapable de contrôler ses pulsions. Et progressivement, sa culpabilité devient nôtre tandis que l'on découvre son personnage d'une infinie solitude rongé par la peur des femmes. "Le libre arbitre", Theo en est dépourvu, tout comme Nettie, abusée sexuellement par son père, et entre les deux se dessinera la plus improbable histoire d'amour aux confins de l'horreur. Caméra souvent à l'épaule, plans-séquences tour à tour terrifiants ou choquants, Glasner ne nous épargne pas dans sa réaliste description et nous entraîne aux limites de la subjectivité jusqu'à perdre nous-même ce "Libre-arbitre". Mais si le sujet est éminemment corrosif, nulle surenchère provocatrice ne vient ternir ici le tableau. La peinture est crue, certes, horrible parfois, mais surtout vraie et sans détour. Quant à l'arrière-plan sur fond de grisaille et d'austères immeubles bétonnés dans une morne ville qui n'offre d'alternative à la solitude, il est plus que réussi. Enfin, que dire du jeu des acteurs ? Jürgen Vogel nous gratifie d'une performance incroyable, tout en économie de paroles et Sabine Timoteo n'est pas en reste. Sur fond d'atmosphère pesante et malsaine, on assiste à presque 3 heures d'une grande intensité, loin, très loin de tout engagement ou morale, mais parcourues d'une tension subjective de tous les instants. Beauté, horreur, tristesse se côtoient alors dans ce maelström d'émotions qui nous laisse KO devant ce chef d'œuvre.

Naissance des pieuvres (Sciamma, 2007)

Dans la série casse-gueule des films traitant des errements de l'adolescence et de l'éveil de la sexualité, "Naissance des pieuvres" s'en tire plutôt bien. Evitant l'écueil de l'invraisemblance et du ridicule à la faveur d'un jeu d'acteur réussi, on se laisse progressivement emporter dans le monde des trois adolescentes, volontairement épuré par la réalisatrice pour l'absoudre d'une quelconque influence parentale extérieure. Un choix à double tranchant, puisque le microcosme décrit perd en réalisme ce qu'il gagne en observation psychologique des protagonistes. Mais au final, ce monde fermé sur fond de danse aquatique est décrit avec justesse et maîtrise, même si les influences ("Virgin Suicide" de S. Coppola pour les visuels notamment ou le scénario de "Fucking Amal" de Moodysson) se font sentir. Un bon premier film.